martes, 16 de mayo de 2017

Vídeo reseña "Girasoles Ciegos"

Aquí os traigo una pequeña vídeo reseña sobre el libro "Girasoles Ciegos" basadas en 4 historias trágicas de la época de la Guerra Civil españolas, época marcada por la guerra, la muerte y la desesperación. Espero que os guste.


lunes, 15 de mayo de 2017

Comentario crítico " Girasoles Ciegos "

Texto 1 :

Todos hablaban a menudo de sus padres. Uno de ellos, Tino, con aspecto de cachorro grande y que tenía cada ojo de un color, estaba orgulloso de su padre porque era picador de toros además de oficinista. Disfrutábamos cuando el enorme coche de cuadrillas que funcionaba con gasógeno iba a recogerle y él aparecía, espigado y grave, en el portal con su espectacular traje de luces. Otro de los integrantes del grupo de la esquina, Pepe Amigo, se ufanaba de que su padre cazaba pájaros los domingos en Paracuellos del Jarama: con redes en primavera y con liga durante el invierno. Tenía su casa, diminuta y pobre, llena de jaulas con jilgueros que cubrían por las noches para que descansaran de su agitación durante el día. Al padre de Pepe Amigo le admirábamos porque tenía una motocicleta Gilera con el cambio de marchas en el depósito de gasolina, de forma que, fuera a la velocidad que fuera, tenía que soltar una mano del manillar para cambiar de marcha y eso nos parecía una proeza. Y ello a pesar de que era cojo y llevaba un alza enorme en el zapato derecho.


También recuerdo a los dos hermanos Chaburre, que tenían doce vacas en el patio interior del edificio y abastecían de leche a la vecindad, que acudía a comprarles con las lecheras de aluminio. Su padre las ordeñaba y, en las raras ocasiones en que nos dejaban pasar a verlas, todos pensábamos en el valor que implicaba ordeñar aquellas bestias tan enormes y tan hoscas.


Podría enumerar las razones por las cuales todos admirábamos a los padres de los habitantes de la manzana. Ésta fue la única compensación que tuve el día en que se hizo público que el mío no sólo no había muerto sino que estaba en casa cuidándome desde el interior de un armario.


Ahora lamento no haber dicho a mis padres que el hermano Salvador me vigilaba, porque el día que se presentó en casa de improviso no estaban prevenidos. Llegó dando patadas a la puerta y gritando. Mi madre no tuvo más remedio que dejarle pasar. Recuerdo que la casa estaba casi sin muebles porque se los estaba llevando gente desconocida por razones que no me atrevía a preguntar pero que yo atribuía a su pobreza y no a la nuestra. Entró como una exhalación llamándome y no dejó de vociferar hasta que me encontró en la cocina fingiendo leer Alicia en el País de las Maravillas. Me preguntó cómo estaba, me arrancó el libro de las manos, me lo devolvió inmediatamente y me pidió, sin esperar mi respuesta, que le dejara hablar un momento con mi madre. Durante muchos años me ha atormentado el remordimiento por haber invocado a los leprosos para que se comieran a ese energúmeno que estaba haciendo daño a mi madre, porque cuando acudí aterrorizado al oír sus gritos, vi cómo mi padre, desangelado e impotente, se abalanzaba sobre el hermano Salvador que estaba a horcajadas sobre ella, que se protegía el rostro con las manos para evitar el aliento de aquel puerco que hocicaba en su escote. Mi padre había salido del armario.

TEMA :

Narración de la agresión sexual del padre Salvador a Elena.

RESUMEN:

Todos se sienten orgullosos de sus padres y recuerdan experiencias juntos ,aún así Lorenzo lamenta no haber advertido a sus padres de la vigilancia del padre Salvador sobre él y recuerda cómo el cura irrumpió un día violentamente  en su casa, casi vacía, lo buscó a él, que era un niño y estaba en la cocina fingiendo leer, le pidió que lo dejara solo con su madre e intentó violarla. En ese momento,  el  padre de Lorenzo  salió del armario y socorrió  su esposa.

ORGANIZACIÓN DE LAS IDEAS :

Si analizamos el texto podemos apreciar que se trata de un texto narrativo y si nos fijamos en su estructura externas diferenciamos cuatro párrafos con unas treinta y seis líneas en total. La estructura interna es la propia de la narración (planteamiento, nudo y desenlace) y se corresponde básicamente con la estructura externa, con la ligera alteración de las referencias del narrador al presente desde el que narra los hechos. Principalmente los 3 primeros párrafos nos narra un poco las historias de los padres de sus amigos para dejar claro que el tema que va a debatir es sobre la añoranza de un hijo hacia su padre que lo ha protegido siempre bajo las circunstancias que sea y siempre recordarán en su corazón todas las experiencias que hayan vivido juntos, en segundo lugar para mí a comienzos del cuarto párrafo ( Ahora lamento no haber dicho a mis padres que el hermano Salvador me vigilaba, porque el día que se presentó en casa de improviso no estaban prevenidos. ) se encuentra la tesis de este texto y es el arrepentimiento de no poder haber hecho nada aquel día que se presentó el cura en su casa y ocurrió todo aquello, es decir, como su conclusión.. y el resto del 4 párrafo podríamos asegurar que es el nudo donde se relata lo ocurrido aquel día en la casa de esta familia.

COMENTARIO CRÍTICO :

Estamos ante un texto narrativo de carácter literario perteneciente a la obra los girasoles ciegos, de Alberto Méndez, publicada en 2004. Se trata de un narrador perteneciente a la narrativa actual, conocido únicamente por esta obra, que es un conjunto de cuatro historias dolorosas, emocionantes, duras, ambientadas en la época de la posguerra española. Cada historia es un relato que supone una “derrota”. Este fragmento pertenece a la “cuarta derrota”, que se titula igual que la obra completa (Los girasoles ciegos)

En este libro Alberto Méndez lo que quería era escribir las vivencias que tuvieron que pasar muchas familias tras la guerra civil. El sentimiento de miedo, de soledad estaban muy presentes en este fragmento; la impotencia de Lorenzo al no poder presumir de padre, ya que estaba escondido, para poder exiliarse con su familia; la angustia de la familia al no saber dónde se encontraba su hija Elena, que se había exiliado con su novio poeta.

Las cuatro derrotas están entrelazadas unas con otras. Se expresa el sentimiento de la historia de España tras la guerra, el sufrimiento de las familias.

Con esta novela, te pones en la situación de esas familias, sientes el dolor que ellos habían pasado en aquellos días. Mi opinión personal sobre dicha obra, es que es muy buena ya que te hace comprender la situación de hace 70 años, no para buscar un culpable de tanto sufrimiento, sino para recordar todos los momentos por los que ha pasado las familias de España y nadie lo ha contado sobre todo es una reflexión sobre los hombres, sobre los perdedores de aquella guerra, sobre el ser humano como individuo.

En este fragmento se expresa el miedo a ser encontrado, la tristeza de tener que vivir en un armario escondido y el amor de la familia, cómo se cuidaban entre ellos.

Comentario crítico " Luces de Bohemia "

Texto 1 :

DON LATINO.--No tuerzas la boca, Max.
MAX. ¡Me estoy helando!
DON LATINO.--Levántate. Vamos a caminar.
MAX.--No puedo.
DON LATINO.--Deja esa farsa. Vamos a caminar.
MAX.--Échame el aliento. ¿Adónde te has ido, Latino?
DON LATINO.--Estoy a tu lado.
MAX.--Como te has convertido en buey, no podía reconocerte. Échame el aliento, ​ilustre buey del pesebre belenita. ¡Muge, Latino! Tú eres el cabestro, y, si muges, ​vendrá el buey Apis. Le torearemos.
DON LATINO.--Me estás asustando. Debías dejar esa broma.
MAX.--Los ultraístas son unos farsantes. El esperpentismo lo ha inventado Goya. ​Los héroes clásicos han ido a pasearse en el callejón del Gato.
DON LATINO.--¡Estás completamente curda!
MAX.--Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El ​sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética ​sistemáticamente deformada.
DON LATINO.--¡Miau! ¡Te estás contagiando!
MAX.--España es una deformación grotesca de la civilización europea.
DON LATINO.--¡Pudiera! Yo me inhibo.
MAX.--Las imágenes más bellas en un espejo cóncavo son absurdas.
DON LATINO.--Conforme. Pero a mí me divierte mirarme en los espejos de la calle ​del Gato.
MAX.--Y a mí. La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una matemática ​perfecta. Mi estética actual es transformar con matemática de espejo cóncavo las ​normas clásicas.
DON LATINO.--¿Y dónde está el espejo?
MAX.--En el fondo del vaso.
DON LATINO.--¡Eres genial! ¡Me quito el cráneo!
MAX.--Latino, deformemos la expresión en el mismo espejo que nos deforma las ​caras y toda la vida miserable de España.

RESUMEN :


Max Estrella y don Latino mantienen un diálogo de frases breves e incoherentes. Max está helado, enfermo, borracho e incapaz de levantarse y caminar, aunque don latino se lo pide insistentemente. Sin embargo, como en una especie de alucinación, el poeta ciego define el esperpento ante la admiración irónica de don Latino.


TEMA :

Definición del esperpento en una situación dramática y grotesca.


ORGANIZACIÓN DE LAS IDEAS :

En su estructura externa, el texto está constituido por un diálogo de veintidós intervenciones breves entre dos personajes. Internamente, el contenido del texto se distribuye en dos partes fundamentales: por una lado, el diálogo inicial de ME, enfermo y debilitado por el frío, en contraste con la falta de piedad de don Latino que podemos verla reflejada como una situación dramática y absurda de las líneas  ( 1-11 ) ; por otra parte resalta el discurso de Max sobre la teoría del esperpento que se aprecia perfectamente desde las líneas ( 12- 22 ).


COMENTARIO CRÍTICO

Se trata de un fragmento del drama Luces de Bohemia (1920), obra maestra de la producción teatral de Valle Inclán con la que creó la nueva estética del esperpento, un instrumento de desenmascaramiento de la realidad política y social española de principios del siglo XX. Esta técnica teatral le permite deformar, como en este caso, tanto  personajes como situaciones hasta llegar a la caricatura. Con esta obra, Valle Inclán se sitúa en la Generación del 98, en su preocupación por España y por la angustia existencial del ser humano, aunque no abandone totalmente la influencia modernista en la preocupación estética y en el cuidado extremo del lenguaje.

El tema de la muerte cercana de Max se percibe implícitamente en el fragmento (deforma el rostro, está helado, no puede moverse…), ante esa situación límite, su acompañante se muestra impasible y responde con desprecio “Deja la farsa.” ”Estás completamente curda.”). Pero el tema más destacado y novedoso es la definición del esperpento por parte de Max, ante la ignorancia y la falsa admiración de don Latino. Por tanto, contrasta el tratamiento de  un tema esencialmente humano y universal como la muerte, con el de un tema relacionado con la literatura, como el esperpento, que aquí se convierte en un asunto principal.

Este fragmento pertenece a la escena XII, que constituye el desenlace de la historia, es decir, los hechos que se presentan suceden poco antes de la muerte de Max ante la puerta de su casa.

En cuanto al diálogo dramático, de extraordinaria viveza, cada personaje se expresa según su condición y circunstancias: Max utiliza, en un principio, el lenguaje directo y escueto de la súplica o el lamento (“Me estoy helando!”, “Échame el aliento.”). Don Latino presenta un discurso evasivo  propio del que no se implica ni quiere saber nada de lo que pasa (“Deja esa farsa.”). Es un diálogo de respuesta breve, con alusiones, de tono exclamativo (“¡Pudiera!”), imperativos (“¡Muge Latino!”), insultos (“¡Estás completamente curda!”).

En conclusión, lo que más me llama la atención de este fragmento es la preocupación que tiene Valle Inclán por España y el deseo del acercamiento a Europa (“España es una deformación grotesca de la civilización europea.”), como manifestación de las ideas noventayochistas del autor. Valle Inclán se muestra aquí como un escritor al que le duele España (como dijo Unamuno), la corrupción y mediocridad reinantes y, a la vez, como un verdadero vanguardista que se anticipó considerablemente a las tendencias del teatro mundial y que supo dar sentido al mundo en que vivió a través de la literatura, a través del arte.






miércoles, 8 de marzo de 2017

Comentario Luis Cernuda

Donde habite el olvido:


Donde habite el olvido,
En los vastos jardines sin aurora;
Donde yo sólo sea
Memoria de una piedra sepultada entre ortigas
Sobre la cual el viento escapa a sus insomnios.

Donde mi nombre deje
Al cuerpo que designa en brazos de los siglos,
Donde el deseo no exista.

En esa gran región donde el amor, ángel terrible,
No esconda como acero
En mi pecho su ala,
Sonriendo lleno de gracia aérea mientras crece el tormento.

Allí donde termine este afán que exige un dueño a imagen suya,
Sometiendo a otra vida su vida,
Sin más horizonte que otros ojos frente a frente.

Donde penas y dichas no sean más que nombres,
Cielo y tierra nativos en torno de un recuerdo;
Donde al fin quede libre sin saberlo yo mismo,
Disuelto en niebla, ausencia,
Ausencia leve como carne de niño.

Allá, allá lejos;
Donde habite el olvido.



Tema:

El tema del texto se basa lógicamente en el olvido. Pero el olvido concebido como muerte, es decir, no esperando una vida mejor, sino desando desaparecer, desando la ausencia, para así evitar el insoportable dolor. El amor es el causante de dicho dolor.

Estructura:

Sin nos fijamos en el inicio y final del poema aparece el verso “donde habite el olvido” por lo tanto estamos ante una estructura circular que empieza igual que acaba. La estructura está basada en la reiteración de respuestas a esa pregunta enumerandolas en distintas estrofas .
En cuanto al contenido del poema podemos diferenciar tres partes:

Una primera desde el verso 1 al 8 que trata el olvido como muerte del amor ( muerte espiritual ), seguidamente desde el verso 9 hasta el 15 comenta un poco el anhelo de que cese su concepción del amor y por último desde el verso 16 al 22 se caracteriza por apelar al deseo de que del amor sólo quede el recuerdo y finalmente consiga la libertad sin estar “atado” a alguien.


Comentario crítico :


Este poema pertenece a Luis Cernuda titulado “Donde habite el olvido” y publicado en 1934. Luis Cernuda nació en Sevilla y fue un importante poeta de la generación del 27 y crítico literario. Sus obras se pueden dividir en cuatro etapas de entre las cuales este poema se encuentra en su segunda donde vivió su etapa de juventud. Se trata de su obra más intimista ya que la escribió tras un desengaño amoroso, y está inspirada en la rima LXVI de Bécquer.

Luis Cernuda nos describe un lugar donde poder poner todas aquellas cosas que deseamos olvidar, todo aquello que nos haya hecho daño a lo largo de nuestra vida para dejar de sufrir por ello.Cernuda desea poner el recuerdo de un amor para así dejar de sufrir por él.

Creo que trata de enseñarnos los sufrimientos que conlleva la propia existencia. Este poema surge del desengaño amoroso del autor hasta el punto de desear la muerte, hace comprender que aun en los momentos en los que el amor nos hace sufrir, seguimos mirando a esa persona que nos causa dolor con buenos ojos.

En mi opinión, el lugar que describe Cernuda es,en cierta manera, ese mundo al que todo el mundo le gustaría viajar siempre y cuando no queramos afrontar los problemas de la vida real, ese lugar donde poderte olvidarte de todo, donde poder llorar a gusto y relajarte en ciertos momentos. El desamor, el desengaño, la crueldad..., son sentimientos que nos cuesta afrontar, y que sólo con el tiempo podremos recomponernos de nuevo, pero mientras tanto, el dolor interior que sufrimos nos hace pensar que es el fin del mundo.

Es cierto y estoy seguro que todos alguna vez ha llegado al punto de querer huir de sus problemas y tratar de olvidarlos para siempre como la mejor solución de todas pero yo aún así creo que el olvido no es la mejor solución de todas sino la más cómoda, pienso que una persona debería afrontar su dolor y dejar que el tiempo haga su parte, pero siempre sin llegar a olvidar ya que a lo largo de nuestra vida seguiremos encontrándonos con problemas, desamores….y el hecho de haberlos afrontados anteriormente será lo que te dé fuerzas para afrontarlo de nuevo y así poder aprender de los errores de cada uno. Para mí esto es simplemente madurar como persona aprendiendo de tus propios errores y problemas y sabiéndolos llevar adelante como un adulto.

En conclusión, los recuerdos, tanto los buenos como los malos, son los que nos forman como personas y los que hacen que seamos de una manera u otra.Y mejor es recordarlos que olvidarlos, para que de esa manera, si algún día nos encontramos de nuevo con una situación semejante podamos saber afrontarla mejor que la vez anterior.


martes, 7 de marzo de 2017

Antología Generación del 27

Como ya hicimos con la poesía de Antonio Machado, en este trimestre seleccionaré varios poemas de los autores andaluces de la Generación del 27, especialmente de Federico García Lorca, Vicente Aleixandre, Rafael Alberti y Luis Cernuda, seguidamente desarrollaré una breve antología personal de cada uno de ellos. Espero que os guste mi selección.




Federico García Lorca:

El 5 de junio de 1898 nace Federico García Lorca en Fuente Vaqueros, provincia de Granada, hijo de Federico García Rodríguez y Vicenta Lorca Romero. Fue un poeta, dramaturgo y prosista granadino y miembro de la Generación del 27,  quién tendría una gran influencia en la literatura española del siglo XX.

Sus obras se separa en tres etapas:

De la primera etapa destacan: Poema del cante jondo, que se inscribe dentro de la línea neopopularista de la G. 27 y utiliza varios poemas cortos que pueden leerse como poemas independientes o como fragmentos de uno largo encadenados. Se utiliza el pie quebrado.

En la segunda etapa destacan: Temas típicos como el amor, la muerte… que se ven muy influencias en una de sus obras famosas como lo es el Romancero gitano.

Por último en la tercera etapa destaca : Poeta en Nueva York, el poeta se ahoga en aquel mundo que convierte al hombre en una pieza de un gran engranaje. Con procedimientos claramente surrealistas, Lorca alza el grito en pleno Crack del 29 y su protesta contra aquella colmena inhumana; los negros, en especial, merecen su piedad.


SONETO DE LA DULCE QUEJA

Tengo miedo a perder la maravilla
de tus ojos de estatua y el acento
que de noche me pone en la mejilla
la solitaria rosa de tu aliento.
Tengo pena de ser en esta orilla
tronco sin ramas; y lo que más siento
es no tener la flor, pulpa o arcilla,
para el gusano de mi sufrimiento.
Si tú eres el tesoro oculto mío,
si eres mi cruz y mi dolor mojado,
si soy el perro de tu señorío,
no me dejes perder lo que he ganado
y decora las aguas de tu río
con hojas de mi otoño enajenado.



En este poema podemos destacar su primera etapa y me ha llamado mucho la atención dado que es un tema del que estoy seguro que ha todo el mundo le ha pasado como es en el caso del amor, de llegar a la desesperación de si esa persona amada te quiere igual que tú a ella, podemos decir que el poema tiene un tono muy dramático causado por no tener seguro el amor de la persona amada, tiene una obsesión que lo lleva a un terrible sufrimiento al saber lo poco que es para su amor, mientras que él haría todo de todo, hasta humillarse.


ROMANCE DE LA LUNA, LUNA

La luna vino a la fragua
con su polisón de nardos.

El niño la mira mira.
El niño la está mirando.
En el aire conmovido
mueve la luna sus brazos
y enseña, lúbrica y pura,
sus senos de duro estaño.
Huye luna, luna, luna.
Si vinieran los gitanos,
harían con tu corazón
collares y anillos blancos.
Niño, déjame que baile.
Cuando vengan los gitanos,
te encontrarán sobre el yunque
con los ojillos cerrados.

Huye luna, luna, luna,
que ya siento sus caballos.
Níno, déjame, no pises
mi blancor almidonado.

El jinete se acercaba
tocando el tambor del llano
Dentro de la fragua el niño,
tiene los ojos cerrados.

Por el olivar venían,
bronce y sueño, los gitanos.
Las cabezas levantadas
y los ojos entornados.

Cómo canta la zumaya,
¡ay cómo canta en el árbol!
Por el cielo va la luna
con un niño de la mano.
Dentro de la fragua lloran,
dando gritos, los gitanos.
El aire la vela, vela.
El aire la está velando.



Me ha llamado la atención dado que Federico García Lorca en este romance trata uno de los asuntos más importantes del ser humano, la muerte; en él se habla de la muerte de un niño gitano en una noche de luna llena. Este poema expresa el profundo dolor que causa la muerte de un ser humano, y más aún de un niño, en medio de un mundo de marginación y pena, donde no existe alternativa más optimista que la aceptación del propio destino.


LA AURORA DE NUEVA YORK

La aurora de Nueva York tiene
cuatro columnas de cieno
y un huracán de negras palomas
que chapotean las aguas podridas.

La aurora de Nueva York gime
por las inmensas escaleras
buscando entre las aristas
nardos de angustia dibujada.

La aurora llega y nadie la recibe en su boca
porque allí no hay mañana ni esperanza posible.
A veces las monedas en enjambres furiosos
taladran y devoran abandonados niños.

Los primeros que salen comprenden con sus huesos
que no habrá paraíso ni amores deshojados;
saben que van al cieno de números y leyes,
a los juegos sin arte, a sudores sin fruto.

La luz es sepultada por cadenas y ruidos
en impúdico reto de ciencia sin raíces.
Por los barrios hay gentes que vacilan insomnes
como recién salidas de un naufragio de sangre.


La Aurora pertenece a los poemas en verso libre de :"Poeta en Nueva York". Se refleja el mundo neoyorquino y la frustración del poeta ante la deshumanización del ser humano en esta particular ciudad moderna y me ha llamado la atención en la forma en la nos hace entender su periodo de vida en un mundo desequilibrado como el de Nueva York, una ciudad industrial, donde viven solo sentimientos negativos como: muerte, soledad, números, leyes, dinero, etc, ya que si nos fijamos hoy día Estados Unidos es la primera potencia mundial donde a millones de personas le gustaría vivir por eso me gusta mucho ya que podemos comparar la diferencia de ambas épocas , la actual y la de Lorca.



Vicente Aleixandre:

Vicente Pío Marcelino Cirilo Aleixandre y Merlo fue un poeta nacido en Sevilla, pero que vivió en Málaga desde que fue un niño.

Su obra poética presenta varias etapas:

Poesía pura : Predomina el verso corto asonantado y la estética de pura juanramoniana y guilleniana, además de ecos ultraístas y de la poesía clásica española de la Edad de Oro, especialmente Fray Luis de León y Góngora. Destaca
su primer libro, Ámbito.

Poesía surrealista: En los años siguientes, entre 1928 y 1932, se produce un cambio radical en su concepción poética. Inspirado por los precursores del surrealismo, adopta como forma de expresión el poema en prosa (Pasión de la Tierra, de 1935 ) y el verso libre (Espadas como labios, de 1932)

Poesía antropocéntrica: Tras la guerra, su obra cambia, acercándose a las preocupaciones de la poesía social imperante. Desde una posición solidaria, aborda la vida del hombre común, sus sufrimientos e ilusiones. Su estilo se hace más sencillo y accesible. Dos son los libros fundamentales de esta etapa: Historia del corazón, de 1954 y En un vasto dominio, de 1962.

Poesía de vejez: En sus últimos libros, el estilo del poeta vuelve a dar un giro. La experiencia de la vejez y la cercanía de la muerte le llevan de vuelta al irracionalismo juvenil, aunque en una modalidad extremadamente depurada y serena.


LOS BESOS


Sólo eres tú, continua,
graciosa, quien se entrega,
quien hoy me llama. Toma,
toma el calor, la dicha,
la cerrazón de bocas
selladas. Dulcemente
vivimos. Muere, ríndete.
Sólo los besos reinan:
sol tibio y amarillo,
riente, delicado,
que aquí muere, en las bocas
felices, entre nubes
rompientes, entre azules
dichosos, donde brillan
los besos, las delicias
de la tarde, la cima
de este poniente loco,
quietísimo, que vibra
y muere. –Muere, sorbe
la vida. –Besa. –Beso.
¡Oh mundo así dorado!


Este poema perteneciente a su etapa surrealista me gusta dado que dedica todos sus versos a la descripción de un verso perfecto entre dos enamorados. Comienza expresando el sentimiento de deseo, y en su desarrollo describe cómo viven la pasión los enamorados, cae la tarde y el sol se apaga para que los amantes consigan la culminación del beso.


UNIDAD EN ELLA

Cuerpo feliz que fluye entre mis manos,
rostro amado donde contemplo el mundo,
donde graciosos pájaros se copian fugitivos,
volando a la región donde nada se olvida.

Tu forma externa, diamante o rubí duro,
brillo de un sol que entre mis manos deslumbra,
cráter que me convoca con su música íntima, con esa
indescifrable llamada de tus dientes.

Muero porque me arrojo, porque quiero morir,
porque quiero vivir en el fuego, porque este aire de fuera
no es mío, sino el caliente aliento
que si me acerco quema y dora mis labios desde un fondo.

Deja, deja que mire, teñido del amor,
enrojecido el rostro por tu purpúrea vida,
deja que mire el hondo clamor de tus entrañas
donde muero y renuncio a vivir para siempre.

Quiero amor o la muerte, quiero morir del todo,
quiero ser tú, tu sangre, esa lava rugiente
que regando encerrada bellos miembros extremos
siente así los hermosos límites de la vida.

Este beso en tus labios como una lenta espina,
como un mar que voló hecho un espejo,
como el brillo de un ala,
es todavía unas manos, un repasar de tu crujiente pelo,
un crepitar de la luz vengadora,
luz o espada mortal que sobre mi cuello amenaza,
pero que nunca podrá destruir la unidad de este mundo.


Al igual que el poema anterior, éste me llama la atención debido a la sensación de fundirse con el universo que, al hacer el amor, experimenta el poeta. Llega hasta tal extremo de sentir cómo se funde con el propio universo entre besos y caricias. Se puede apreciar perfectamente que quiere perder el sentido de la realidad y que su conciencia quede anulada en la contemplación de ese cuerpo. Toda esta descripción despierta en mí una gran curiosidad por una situación tal y como describe Vicente Aleixandre.


SE QUERÍAN
Se querían.
Sufrían por la luz, labios azules en la madrugada,
labios saliendo de la noche dura,
labios partidos, sangre, ¿sangre dónde?
Se querían en un lecho navío, mitad noche, mitad luz.

Se querían como las flores a las espinas hondas,
a esa amorosa gema del amarillo nuevo,
cuando los rostros giran melancólicamente,
giralunas que brillan recibiendo aquel beso.

Se querían de noche, cuando los perros hondos
laten bajo la tierra y los valles se estiran
como lomos arcaicos que se sienten repasados:
caricia, seda, mano, luna que llega y toca.

Se querían de amor entre la madrugada,
entre las duras piedras cerradas de la noche,
duras como los cuerpos helados por las horas,
duras como los besos de diente a diente solo.

Se querían de día, playa que va creciendo,
ondas que por los pies acarician los muslos,
cuerpos que se levantan de la tierra y flotando...
Se querían de día, sobre el mar, bajo el cielo.

Mediodía perfecto, se querían tan íntimos,
mar altísimo y joven, intimidad extensa,
soledad de lo vivo, horizontes remotos
ligados como cuerpos en soledad cantando.

Amando. Se querían como la luna lúcida,
como ese mar redondo que se aplica a ese rostro,
dulce eclipse de agua, mejilla oscurecida,
donde los peces rojos van y vienen sin música.
Día, noche, ponientes, madrugadas, espacios,
ondas nuevas, antiguas, fugitivas, perpetuas,
mar o tierra, navío, lecho, pluma, cristal,
metal, música, labio, silencio, vegetal,
mundo, quietud, su forma. Se querían, sabedlo.


Para mí este poema describe y reproduce lo que sería el amor ideal, que siempre perdurará pase lo que pase en la vida. El poeta expresa el amor que sienten dos personas, y como lo sienten durante todos los momentos de la vida, comparándolo con los sucesos que van ocurriendo a lo largo de ella. Se puede apreciar que es un amor de verdad donde ambos se aman en todos los momentos del día y en la forma en la que se quieren tanto, para ello Aleixandre se ayuda de la naturaleza como el cielo, el mar….



Rafael Alberti:

Nació en el puerto de Santa María, Cádiz, en el 16 de diciembre de 1902, en el seno de una familia burguesa y católica, fue el último representante de la generación del 27 y fue hasta su desaparición memoria viva de la literatura y las letras hispanas.
Alberti dedicó los 93 años de su vida a la creación poética, aunque su primera pasión fue la pintura, pero a principios de los años 20, comenzó a escribir poemas.

En la poesía de Rafael Alberti se distinguen cuatro etapas fundamentales:


Poesía Neopopulista(1922-1927): es una poesía cercana a los cancioneros tradicionales y al folclore andaluz.

Poesía Vanguardista(1927-1929): esta etapa rompe con el lenguaje poético tradicional y adopta un estilo próximo al surrealismo.

Poesía Social(1930-1939): cultiva una poesía con una intención propagandística.

Poesía de exilio(a partir de 1939): en sus obras destaca la nostalgia de la tierra, la sátira política o los recuerdos.


NOCTURNO


Cuando tanto se sufre sin sueño y por la sangre
se escucha que transita solamente la rabia,
que en los tuétanos tiembla despabilado el odio
y en las médulas arde continua la venganza,
las palabras entonces no sirves: son palabras.

Balas, balas.

Manifiestos, artículos, comentarios, discursos,
humaredas perdidas, neblinas estampadas.
¡Qué dolor de papeles que ha de barrer el viento,
qué tristeza de tinta que ha de borrar el agua!

Balas, balas.

Ahora sufro lo pobre, lo mezquino, lo triste,
lo desgraciado y muerto que tiene una garganta
cuando desde el abismo de su idioma quisiera
gritar lo que no puede por imposible, y calla.

Balas, balas.

Siento esta noche heridas de muerte las palabras.


Es un tema que verdaderamente me impacta ya que no he vivido una época de guerra y nose cual es la sensación de saber que hoy estás vivo pero mañana no sabes que te espera. Rafael Alberti refleja el evidente estado de desolación de un poeta que vio cómo los fusiles, los cañones y las bombas sustituyeron a los debates, los discursos, los libros..., porque como dice el poeta, en los momentos en que sólo existe violencia, odio y asesinatos las palabras están "heridas de muerte".


EL MAR LA MAR

El mar. La mar.
El mar. ¡Sólo la mar!
¿Por qué me trajiste, padre,
a la ciudad?
¿Por qué me desenterraste
del mar?
En sueños la marejada
me tira del corazón;
se lo quisiera llevar.
Padre, ¿por qué me trajiste
acá?
Gimiendo por ver el mar,
un marinerito en tierra
iza al aire este lamento:
¡Ay mi blusa marinera;
siempre me la inflaba el viento
al divisar la escollera!

Me llamó la atención mucho este poema ya que en cierta manera Rafael Alberti y yo reconocemos la esencia del mar como un símbolo de tranquilidad, algo de lo que echar de menos cuando vives en la ciudad y que deseas en todo momento volver a sentirlo y oírlo. Es cierto que Rafael tuvo una infancia ligada a un pueblo marinero donde vivía y que siempre reclamaba a su padre que volviesen ya que era donde se verdaderamente se siente bien, sin embargo, para mí significa la tranquilidad después de todo un año de esfuerzos y el lugar donde pienso cada vez que necesito paz para relajarme.


AMARANTA


Rubios, pulidos senos de Amaranta,

por una lengua de lebrel limados.

Pórticos de limones, desviados por el canal

que asciende a tu garganta.

Rojo, un puente de rizos se adelanta e

incendia tus marfiles ondulados.

Muerde, heridor, tus dientes desangrados,

y corvo, en vilo, al viento te levanta.

La soledad, dormida en la espesura,

calza su pie de céfiro y desciende

del olmo alto al mar de la llanura.

Su cuerpo en sombra, oscuro, se le enciende,

y gladiadora, como un ascua impura,

entre Amaranta y su amador se tiende.


Igual que hoy día se mantiene constantemente un canon de belleza el cual se va moldeando con el paso de los años y es esto lo que me llama la atención que se sigue buscando la perfección en una mujer o en un hombre y los rasgos que los hacen los mejores sobre los demás.



Luis Cernuda:

Luis Cernuda nació en Sevilla el 21 de septiembre de 1902 y murió en México el 4 de noviembre de 1963. Con 9 años empieza a leer poesía y a interesarse por ella, incluso escribe ya sus primeros versos.

La poesía de Cernuda tiene cuatro etapas: los años de aprendizaje, la juventud, la madurez y el comienzo de su vejez.


En la etapa de aprendizaje intenta imitar a los clásicos siendo el tema principal el amor.


Su etapa de juventud se caracteriza por la defensa de su homosexualidad y está muy influenciada por el surrealismo francés.


En su etapa de madurez influye mucho la Guerra Civil española y los recuerdos que tiene de su tierra, Sevilla. También tiene una influencia considerable la lírica inglesa.


Finalmente en su etapa del exilio a México se puede observar el cambio en sus obras ya que emplea un estilo es más directo.


TIERRA NATIVA

Tierra nativa

Es la luz misma, la que abrió mis ojos

Toda ligera y tibia como un sueño,
Sosegada en colores delicados
Sobre las formas puras de las cosas.

El encanto de aquella tierra llana,

Extendida como una mano abierta,
Adonde el limonero encima de la fuente
Suspendía su fruto entre el ramaje.

El muro viejo en cuya barda abría
A la tarde su flor la enredadera,
Y al cual la golondrina en el verano
Tornaba siempre hacia su antiguo nido.

El susurro del agua alimentando,
Con su música insomne el silencio,
Los sueños que la vida aún no corrompe,
El futuro que espera como página blanca.

Todo vuelve otra vez vivo a la mente,
Irreparable ya con el andar del tiempo,
Y su recuerdo ahora me traspasa
El pecho tal puñal fino y seguro.

Raíz del tronco verde, ¿quién la arranca?
Aquel amor primero, ¿quién lo vence?
Tu sueño y tu recuerdo, ¿quién lo olvida,
Tierra nativa, más mía cuanto más lejana?



La guerra del 36 obligó a Cernuda a exiliarse en Gran Bretaña primero y Estados Unidos y México después, donde falleció. Es por ello que este poema me gusta y me emociona donde Luis Cernuda en apenas unos versos muestra la nostalgia y el recuerdo de la tierra perdida ya que no se trata solamente del paisaje, de fuentes, montañas, llanuras o limoneros. También están la experiencia vivida, los amores, la familia, los amigos y tantas cosas que forman la biografía sentimental de una persona, algo de lo que verdaderamente ni yo ni muchos otros podríamos soportar.


NO ES EL AMOR QUIEN MUERE

No es el amor quien muere,
Somos nosotros mismos.

Inocencia primera
Abolida en deseo,
Olvido de sí mismo en otro olvido,
Ramas entrelazadas,
¿Por qué vivir si desapareceréis un día?

Sólo vive quien mira
Siempre ante sí los ojos de su aurora,
Sólo vive quien besa
Aquel cuerpo de ángel que el amor levantara.

Fantasmas de la pena,
A lo lejos, los otros,

Los que ese amor perdieron,
Como un recuerdo en sueños,
Recorriendo las tumbas
Otro vacío estrechan.

Por allá van y gimen,
Muertos en pie, vida tras de la piedra,
Golpeando impotencia,
Arañando la sombra
Con inútil ternura.

No, no es el amor quien muere.


Tras leer varios poemas me llama la atención lo que el amor significa para Luis Cernuda, es decir, desarrolla el tema amoroso con una fuerte conexión con el tema de la muerte y del sentido de la vida. Él afirma que el hombre sin amor no vive verdaderamente y que los que viven son solo los que aman y son amados, todos los otros están muertos, “fantasmas de la pena”.


SI EL HOMBRE PUDIERA DECIR LO QUE AMA


Si el hombre pudiera levantar su amor por el cielo
Como una nube en la luz;
Si como muros que se derrumban,
Para saludar la verdad erguida en medio,
Pudiera derrumbar su cuerpo, dejando sólo la verdad de su amor,
La verdad de sí mismo,
Que no se llama gloria, fortuna o ambición,
Sino amor o deseo,
Yo sería aquél que imaginaba;
Aquel que con su lengua, sus ojos y sus manos
Proclama ante los hombres la verdad ignorada,
La verdad de su amor verdadero.

Libertad no conozco sino la libertad de estar preso en alguien
Cuyo nombre no puedo oír sin escalofrío;
Alguien por quien me olvido de esta existencia mezquina,
Por quien el día y la noche son para mí lo que quiera,
Y mi cuerpo y espíritu flotan en su cuerpo y espíritu
Como leños perdidos que el mar anega o levanta
Libremente, con la libertad del amor,
La única libertad que me exalta,´
La única libertad porque muero.

Tú justificas mi existencia:
Si no te conozco, no he vivido;
Si muero sin conocerte, no muero, porque no he vivido.



Por último Me gustaría comentar este poema debido que al igual que hoy es un tema que afecta a gran cantidad de personas que se sienten oprimidas por los pensamientos de los demás, temerosos del rechazo que puede llegar a tener su forma de pensar y de querer. El autor quiere proclamar su amor delante de todos, pero si lo hiciese la gente no lo aceptaría. Cernuda vive en una situación paradójica, por un lado no es libre para declarar su amor y por otro lado el amor es lo que lo hace sentirse libre.
Sinceramente es algo que veo absurdo que igual que existe libertad de expresión, porque no puede haber libertad de amor, todo somos iguales pero con gustos diferentes y eso no tiene nada de malo. Por suerte hoy día ese miedo se ha reducido y un mayor número de víctimas que sufren este miedo salen a la luz pero a mi pesar no es suficiente incluso muchos llegan al suicidio y es algo bastante serio que debería tratarse y todo esto solo por querer a una persona de sexo opuesto no tiene sentido.